米乐服装色彩的审美功能是设计过程中最为凸显的一个价值体现，特别是在现代的社会中，服装扮演了美化生活和构建形象的角色，人们对服装的色彩也愈加的关注。服装色彩的审美功能主要通过两个方面的内容来表现：其一，通过服装的色彩、图案来进行艺术化的展现；其二，通过服装的色彩来映衬人们的肤色以及形体美等。另外，在进行服装色彩搭配，为了凸显出服装的美感还应充分与时代、民族、职业等元素结合在一起。
在服装色彩表达中，艺术风格是一个突出的特征，也是一种集中的外在表现，包含了艺术和装饰两个方面的特征。而在服装的色彩风格中设计，它的根本目的就是创设出一种鲜明而又独特的视觉形象。现代化的服装色彩风格已经逐渐发展为了一个统一的概念，例如运动风格、古典风格、浪漫风格和民族风格。
在服装的艺术风格中，运动风格的设计代表了简洁、活泼的视觉感受，在色彩的选择上也多用白色或其他淡雅的颜色。如具有较高纯度的红色、黄色等都是表现运动风格的理想颜色，它们可以有效地实现色彩之间的对比，并营造出强、快的心理感受。运动员所穿的服装都是以鲜艳的色彩为主，这也是为了运动员所作的动作能让教练等人很清楚地分辨出。在上世纪50年代的后期，在运动服的色彩设计中比较流行单色或者是深浅相互搭配的颜色，这种色彩的组合虽然在视觉上没有给人以一种清亮的感觉，但是却给整个运动场上营造了一种欢快的氛围，同时也凸显出了运动服的主要特点。而采用色彩深浅对比则会产生一种节奏的气息，不仅能让运动员产生愉悦的情绪，也能激发他们潜在的运动欲望。富有运动风格的服装设计常通过色彩美来激发运动员的兴奋度，例如在滑雪服等服装的设计中，其鲜明的运动风格，与当时的情境相得益彰，十分便于观众的视觉观看。伴随着体育运动的广泛发展，运动比赛项目也日益增多，与此同时对运动装的色彩和功能也相应地提出了更高的要求，在运动服装的风格设计中，还要充分地考虑到运动量和透气性等。
具有古典风格的服装设计基本上不会跟随社会流行元素而发生变化，但古典风格的服装通常会更受到人们的喜爱，古典风格的服装设计的款式都是较为稳定的。古典风格的服装具有高贵的外在特征，因此对于服装色彩的选择也要找寻出一种少见而又与之相得益彰的色彩。在很多情况下，古典风格的服饰在冬季都会选择黑色、深灰、墨绿等作为主色调，具有古典的华美和精致的工艺，表现出了一种端庄的气息，这些方面都促使它成为了一种永恒的流行色彩和风格。但基于服装面料的内在要求，一般会把较为清淡的色彩用来凸显服装的亮色，这也被纳入到了古典色彩的选择中。总之色彩的选择应与服装的面料、款式等相互和谐。在近几年中，由于面料的重量逐渐减轻，服装的风格也愈加的柔软，而色彩也更倾向于明亮化。与此同时，在古典风格的服装设计中，特别是在夏季基本上是采用咖啡色、奶油色等，这些颜色都具有淡雅、素雅的特征，与古典风格的服装要求是一致的。
浪漫风格从19世纪的欧洲开始发展，它主要的特征是追求激情和梦幻，随着不断地传播，其在近几年内已经成为了服装设计中的主要风格。它摒弃了传统的理念和设计风格，并崇尚理性化，采用柔软的线条来设计服装的整体造型，表现出一种抚媚的风姿。浪漫风格的色彩主要采用洛可可式的色彩作为主要的基调，并以明度高的颜色为主导，例如淡黄色等。有的时候它也会特别针对不同的面料划分为古典浪漫风格、朴素浪漫风格等，这些不同风格的类型又具有不同的色彩。一般来说，古典浪漫主义风格经常采用暗色，例如深蓝、暗紫等，所以在对其进行搭配的过程中，选用浅淡的颜色与之相互搭配，则能凸显出其庄重的视觉感受；而民间浪漫风格更多的是把原料的本色作为主色调，例如真丝、麻等，搭配时要通过浓淡之间的转换来实现更多的色彩效果，并能保持一种朴素的感觉；而朴素浪漫风格则将给人以甜美视觉感受的颜色作为主色调，例如淡粉色、淡蓝色等，这些淡雅的颜色相互搭配能营造出一种浪漫多情的心理感受，只要在材质上做一些变化，就能展现出时尚的特色。
高迪这位建筑大师在设计建造建筑时，将自然与技术完美结合，从视觉艺术的自由和严谨的几何、力学两个方面去建造充满艺术感的建筑，能将感性和理性如此完美结合，真是令人折服。色彩作为一种表情达意的手段，在包括建筑在内的设计构成诸多要素中，是非常重要的一个方面。它具有鲜明性、认知性、真实性、感情性、与审美性的功能。是视觉反映最敏感的因素。一件设计作品的成败，在很大程度上取决于色彩运用的好坏。美的色彩具有美化的装饰效果，能影响人的感觉、直觉、联想、感情等，并产生特定的心理作用，激发共鸣，产生吸引力。色彩的持久影响会改变人们的思维注意力。
建筑和服装作为姐妹艺术，有着太多的共同点，他们共同为人服务，和人的生活息息相关，在艺术广泛交融的今天，将高迪建筑风格引入服装设计领域，或许可以在服装设计中迸发令人兴奋的新碰撞点。
1.曲线惊叹于上帝造物精湛的手艺，人体本身就有着优美的曲线，舒缓而自然，服装作为贴合人体的覆盖物，塑造出自然流淌的曲线则更加能烘托出人体的美。从左至右曲线的应用各有不同，前者依人体之势利用曲线夸张放大人体曲线，宛若一条流淌的河流；中者运用看似不经意的不规则曲线，使服装平添许多趣味和美感；后者则用面料折叠产生的曲线来增加裙子的体积感和存在感，装饰效果呼之欲出。曲线本身有着无限种可能，从而引发无数种造型方式。2.几何形体几何形体在服装中的应用往往会带来夸张地视觉效果，令人过目不忘，使服装添加浓郁的戏剧性和符号性。同时几何形体也可以极大程度的丰富服装的层次和深度，扩展人们的想象空间。通过空间中形体的镜像、拉伸、旋转等创作手段，达到象征与隐喻的目的。一件好的艺术作品，除了需要给观者留下视觉的冲击，还必须具有发人联想的张力，这种张力，可以通过几何形体的纵向与横向的不断变化而延伸和扩展。
1.同种色系的运用色彩是有生命的，我们的生活中，充满了由色彩带来的进而转化为激情和灵感的事物。我们通过对同种色系的运用可以更好的保持作品的整体性与系列感。同时，结合对比例的良好拿捏可以使作品更具和谐的美感。达到一种值得长久品味与联想的效果。2.对比色的运用对丰富的色彩的运用，可以结合对比色的冲突性，从而使服装达到一种视觉的冲击力。另外，对比色的运用也是结合了色彩的文化属性并通过作用于一种人们的长期积累的主客观思想因素，起到表现设计主题与理念的目的。浓烈的对比色往往伴随着强烈的灵感闪现，猛烈的文化冲突等等主题。同时，也是有着一种情绪和文化暗示。
在中国的历史中，帽子据说是人文始祖黄帝发明的，主要作用是装饰和标识，并象征着统治权力和尊贵地位。这一时期帽子 “冠”或“冕”是这一时期帽子的叫法，象征着一种社会地位：帝王和文武大臣可以戴帽子；一般的平民老百姓用“巾”；穷人披头散发或者用麻绳把头发束起来。不过最初的冠冕不能算作是“帽子”，帽子是胡人传入中原以后，经过改进才流行起来的。虽经历朝历代的转变，帽子一直作为统治阶级内部地位和权力的标示和象征。在历史发展过程中，帽子不仅在样式上起了很大的变化，而且所象征的权力和地位的标识也更加细化、精确。直到清朝结束，民国建立才被取消。同中国相似，国外在古时候也将帽子当作一种权利与地位的象征。早期的罗马，帽子是自由合法公民的标志，奴隶们只能头顶块儿布来遮天度日。到了中世纪，帽子的等级观念更加明晰，国王戴金制皇冠，囚犯戴纸帽子等等。而且最早在法国出现制帽者，在法国为女性制帽的人被称为“modiste”，即女帽制造者。17世纪的美国和英国开始发展制帽业，是现代帽子发展的开端。18世纪流行无限夸张造型的帽子并装饰张牙舞爪的羽毛，此后帽子发展的越发自由。帽子在西方人们的生活中是如此普遍，体现在社会的各个阶层，无论男女老幼、富贵贫贱都有一个共同且的重要的着装特征，他们都随时随地戴着帽子。尤其是女性一天会换好几次帽子，不戴帽子是绝对不会出门的，社会也是不接受的，只有乞丐不戴帽子而不遭人蔑视。
帽子除了有遮光、防风雨、御寒的实用功能，还可以吸引旁人的视线，具有很强的装饰性。在现代服装设计中，帽子对一个女人或者男人来说，是力量、权威、地位的一种标志。一顶合适的帽子，能改变穿戴者的气场，提高穿戴者的品质，尤其是对一位女性来说，它既可以增加女性的亲切感和吸引力，也很能说明她的地位与身份。从古至今，帽子的样式很多，可以说是成百上千。在帽顶和毛边上变化的帽子种类繁多，不同造型样式的帽子本身就蕴含着自己的风格，有非常女性化的帽子、运动型的帽子、职业帽、休闲帽、娱乐型的帽子。帽子的样式对服装设计风格的影响不言而喻。有时，甚至可能会为了与帽子的造型风格搭配而设计服装，这样服装的设计元素本身与帽子的样式风格就是一致的或者是帽子与服装的风格差异也正是设计师所想表达和展现出来的东西。
在穿衣搭配中，帽子可以说起着非常重要作用，搭配一定好的帽子可以服装搭配更完美，起到一种美化形象的作用，但是如果搭配了一顶不协调的帽子，就可能成为整个形象的败笔，破坏一整套设计，更加地引人注目。它能够刻画出脸部线条，也可以将其隐去；可以说对整体服装起着画龙点睛的作用。
帽子设计的乐趣和魅力在于它没有固定的模式与规则。中规中矩的帽子造型可能体现出的服装风格也如出一辙，而别出心裁的帽子一定带有表达的角色和目的，可以发现帽子的造型样式这与现代服装设计的风格有着密切的联系。比如，肖像帽，这个名字的来源是由于极宽的帽边，使脸部看上去像镶在将框中。它给人带来的效果总是赋予戏剧性的。
帽子的不同戴法，效果也不一样，表达的设计风格也会有所不同。例如：端着地戴帽或略歪着戴，帽檐压低或者扣在脑后，显示出的感觉都会不一样。就像经典的贝雷帽，他的原形很普通，但它的变化令人惊奇。在现代服装设计中，如果在帽子的设计与搭配上下功夫，一定会对整体的服装风格有着不可忽视的影响。不仅仅是引人注目，还可以直观地看出设计者对所设计服装的理解。
色彩的感觉是“在一般美感中最大众化的形式”，又有人们说“色彩是沉默的权威”，具有强大的力量。色彩与图案是信仰、阶级直观的标志，也可以用色彩来表达内心情感。当然，帽子的色彩图案也同服装一样，会给人“第一眼”的感觉，对服装设计风格的影响不容小觑，往往可能是画龙点睛的一笔。帽子的色彩图案设计可以更好地表达出所设计服装的灵感来源，可以凸显出服装的设计风格，蕴含着服装的设计理念。虽然，人们对待色彩和图案的感知会因为各种因素的影响而不同，但大部分人也会在当中达到共识。例如，米色会给人平静、典雅的感受，酒红色会给人时髦、神秘的感受，黄色会给人明亮、活泼的感受等等。一般来说，女式的帽子与男式相比较在色彩图案上会更加地丰富、艳丽。在现代服装设计中也会考虑这些因素，由此，在表现非常女性化的服装或者男性服装以及中性服装上，帽子的颜色与图案的应用会有所不同。
现代社会，服装是生活必需品，此为人所共知。所以说，服装是物质的，其中寄托了人们精神方面的情思，因此，服装也是精神的产物。服装是体现时尚最直接、最明显、最迅速的载体，也是人们美化自己、美化生活，体现情感最为明白、必然的选择。“风格”这个词在现代社会出现频率颇高，诸如说话、办事、穿衣等，都可以概括出“某某风格”，它可以显示出种个人特点。关于“风格”，是这样定义的：风格，是作家、艺术家在创作中所表现出来的创作个性和艺术特色。就目前设计界而论，服装的设计风格，是指在整个作品中所透露出的倾向性的设计个性和艺术特色。
服装风格指一个时代、一个民族、一个流派或一个人的服装在形式和内容方面所显示出来的价值取向、内在品格和艺术特色。服装风格还包括设计的所有要素：款式、色彩、材质、配饰，形成统一的外观效果，具有鲜明的倾向性。服装设计追求的境界说到底是风格的定位和设计，服装风格表现了设计师独特的创作思想，艺术追求，也反映了鲜明的时代特色。色彩是表现力最强的元素，是表达情感最有效的无声语言。色彩语言的重要性不言而喻，整体服装的色彩也包括配饰的色彩，帽子作为最显著的服装配饰，在服装风格中起着重要的作用，可以更加突出强化服装的风格。
近年来，随着市场经济的深入发展，年轻化现象席卷全球，卖萌成为一些人的时尚。“萝莉”、“小鲜肉”、“小伙伴”、“萌萌哒”等热词铺天盖地流行，以及童话电影《灰姑娘》、《冰雪奇缘》、《爱丽丝梦游仙境》等的全球热播，掀起一阵又一阵的“后儿童”风潮。而在设计多元化的现代社会，追求轻松、诙谐、有趣的服装设计理念，也使“后儿童”风格越来越走上时尚的大舞台。研究“后儿童”现象对于服装设计具有非常重要的指导意义。
“后儿童”这一说法最初源自法国，而新英文单词“kidult”正形象地指出其本质――“kid”是孩童，“adult”是成年人，合在一起便是儿童化的成年人，即“后儿童”。
在本世纪初，中国的第一代独生子女中掀起“后儿童“时代潮，这些“80后”、“90后”们生活在宽松优越的社会，从小备受呵护，童年带给他们的是美好幸福的感觉，他们较之父辈更注重生活享乐，并拒绝长大。在踏入社会之后他们依然渴望得到关爱、远离压力并惧怕长大、变老。他们的价值观、审美观和消费观也更加前卫任性，“月光族”米乐、“啃老族”也是这种心态的某种折射。同时，改革开放带来的动漫产业伴随着他们成长，对他们产生深远的影响；而电脑和手机游戏又推动了各种周边玩具产品的热销。社会学家认为：心理年龄低于生理年龄是“后儿童”群体的真实写照。当我们不经意抬头，会发现周围的一切已经被“后儿童”现象所包围。先是各种卡通漫画式招贴广告充斥着我们的视线；愤怒的小鸟产品层出不穷；各种颜文字萌表情充满社交软件；几米的漫画和《宫崎骏》的系列电影席卷全球。不可否认，“后儿童”现象已经一步步渗透我们的生活。
有这么一句话：“每个人的心中都住着一个孩子。”但是根据“后儿童”人群的消费心理及审美习惯分析，“后儿童”服装并非简单的童装大码化，而是通过设计，使服装产品的形态、面料、图案、色彩等某一方面能让消费者联想到童年的某种印象或某些美好情怀，表现出趣味、天真浪漫、可爱搞怪等轻松愉悦的感受，能使消费者保持一个年轻的心态，从而使生活充满乐趣，给他们带来自信和活力。具体表现为以下几种类型：
1.仿生、夸张的廓形。服装仿生设计即是模仿自然界存在的某种物体，并将其进行升华效果设计。而夸张是指大胆突出某种特征，使之更具有强烈的视觉效果，通过反于常态达到幽默的效果。在每年的各大时装周上，我们不乏看到各大品牌都有一些夸张的廓形设计。这方面Alxander McQueen、John Galliano米乐、宇津木等设计师都是佼佼者。而近年来一些年轻设计师更加大胆创新，将生活中的各种具象的元素搬上服装，使传统端庄严肃设计大胆颠覆，设计出超出想象的夸张活泼的“后儿童”风格效果，抓人眼球又让人过目不忘。如Philip Treacy夸张的帽子、Jean-charles的小狐狸图案卫衣、Tsumori Chisato的红与黑的茧型鱼尾长裙等。仿生和夸张的廓形设计，创造了一种新奇的效果，给服装增加趣味感。
2.天真浪漫的材质。轻盈的雪纺纱、浪漫透明的蕾丝、层层叠叠的花边、大大小小的蝴蝶结、长长软软的缎带、一串串的珠子、蜿蜒曲折的荷叶边、圆鼓鼓的泡泡袖、蓬蓬松松的公主裙，这些小女孩们曾经心目中的最佳服装元素，现在又被翻了出来，例如，国际品牌安娜苏Anna Sui、国内的淑女屋和自然元素品牌等，在“后儿童”服装风格设计上依然体现出那份纯真梦幻的童话式美丽；同时，加上一些性感的剪裁，使服装不仅只是纯粹的仿童，而是体现出感性的年轻女性那一颗浪漫又充满神奇幻想的心。
3.童趣诙谐的元素。每个“后儿童”对于童年的记忆都是美好、有趣、生动、好玩的。选取童年常见的元素作为设计的亮点，或在服装结构细节上，或在配饰搭配上，或在图案上，让“后儿童”们一眼便能分辨出童年那精彩难忘的印象，唤起生动的童年回忆，使人产生强烈的情感共鸣。如每个小孩子都有偷穿大人衣服的经历，而Maison Martin Margiela的超大袖口白衬衫和Yohji Yamamoto夸张遮脸帽设计会让观者会心一笑；利用幼稚手绘图案或折纸效果设计的服装也能让人回味精彩的童年；还有各种经典的卡通形象和熟悉的快餐品牌，如moschino的麦当劳系列服装、forever21和b+ab品牌的hellokitty元素等等，充满想象力的设计无不用童趣诙谐的元素引发人回忆的情感体验和心理感受。
4.鲜艳生动的色彩。色彩唤起各种情绪，表达感情，甚至影响我们正常的生理感受。近几年大行其道的荧光系列、糖果色系、撞色系列已经让所有人都领教到了“后儿童”风格的厉害。高明度的色彩设计是“后儿童”服装风格的重点，不管是低纯度的马卡龙色，还是高纯度的撞色，都能体现年轻人不同的个性。耀眼的荧光色效果，原先只是用在起警示作用的特殊工作服上，如今，也早就被解构重组为活力的“后儿童”服装上不可或缺的元素之一。荧光色的抢眼、刺激、朝气，正是“后儿童”们追求的心灵目标；而的糖果色到更柔和的马卡龙色，世界都不再是那么沉着、严肃，都市里的男男女女们都幻化为童话中的精灵，一派的装束，为紧张的工作带来轻松的气氛；撞色则是“后儿童”内心最明显的表现：一方面要作为成人接受社会的压力，另一方面又在内心保有对童真的向往。在“后儿童”风格中，男装的色彩也不再局限在深色、暗色、素色，所有女性适合的颜色，男性同样适用，越来越多的男装设计大胆使用红色、粉色等传统认为是小女孩才可以使用的颜色，依然效果出彩；而马卡龙色及暖色调撞色在男装上的使用，则体现当今男性“后儿童”轻松活力的一面。除了常规的纯色以外，色块、图案的不同组合也能带来诙谐有趣的效果，例如近几年再度流行的波点和条纹元素，以及在波点基础上引申变化的心形、星星、水果、动物、汽车等重复的图案，都使得服装更具有生动活泼、风趣幽默的感觉。
1.“后儿童“服装发展趋势米乐。国际上一般将15岁定义为成年界线周岁生日之后就没理由过属于自己的“儿童节”，但“后儿童”们就是打破了这一框框限制，只要觉得自己还是年轻，还没长大，都可以光明正大地将自己扮演成一个纯真的孩子，生活在自己制造出来的童话世界之中。当今社会竞争越来越激烈，面对残酷的现实，“后儿童”们更愿意选择逃避，但是工作生活必须继续，因此在繁重的工作压力面前，只能通过服装来宣泄自己的情绪。因此“后儿童”风格作为时尚因子和心理因素已经被广泛运用在服装设计以及其他各类设计中，既符合时展，又符合人们的审美情趣和心理诉求。因此这一风格必将会继续发扬光大，逐渐成为服装设计风格中重要的一环。
2.“后儿童“服装设计重点。“后儿童”服装风格在设计上应在廓形、色彩和纹样图案等各个方面，都要加入能引起“后儿童”族共鸣的童年回忆元素、卡通游戏元素、诙谐幽默元素和童话元素；而在结构板型设计上可采用更加夸张的大体量设计或是解构重组方式，颠覆传统的造型和结构；在材料上则可以在常用的棉、蕾丝花边、雪纺纱、针织的基础上加入新型材料，如透明的PVC材料、弹力好耐磨损的莫代尔材料等。在款式设计上可借鉴童装设计中的精华，并结合成人的时尚特点进行改良，使其更具实用性。而各大服装品牌也可在其传统服装设计线的基础上开发针对“后儿童”群体的子线品牌，扩大消费群体。
通过分析“后儿童”服装设计风潮将越演越烈，在未来5～10年内，原有的人群会继续保持这种轻松随意的生活态度，并将其感染给其他人。而社会压力、科技进步、动漫游戏的开发会促进更多的人加入这一群体。服装设计上“后儿童”风格并非仅仅是对儿童生活中各要素的简单模仿和挪用，而是通过设计师独具匠心的艺术升华，展现出成人服装的趣味、生动、轻松的态度和情怀。因此了解“后儿童”服装设计风格，对于服装的设计、教学、品牌构建等都有重要的意义。
[3] 吴丹丹，郭凯.浅析艺术的“童趣化”[J].美术教育研究，2011（5）
[4] 璞芳.理解后儿童心理理论的发展[J].心理发展与教育，2001（2）
幽默有广义与狭义之分，在西文用法，常包括一切使人发笑的文字，连鄙俗的笑话在内。在狭义上，幽默是与郁剔、讥讽、揶揄区别的。常见的幽默方式主要有黑色幽默、冷幽默、白色幽默、捷克式幽默、无厘头等等。
幽默是被大家接受的完美表达方式之一，大家都喜欢和具备幽默感的人交流。心理学家指出：以幽默的方式传达一个信息，会比用普通的方式更能让接受者快速而深刻地对信息产生反馈，并留下深刻的记忆。而如何以最恰当的方式表达，这也正是幽默区别于“滑稽”和“搞笑”之处。相对于这两者幽默显得更生活但也更难恰当表达。可以毫不夸张地说，幽默就是一门哲学。研究的幽默理念设计不是一种哗众取宠或，而是一种具有艺术特质和特殊视角的设计态度。
所谓氛围，在艺术作品中，就是一种风格；在日常生活中，就是一种气氛格调。所以，我们在用幽默理念进行设计创作的时候，同样要使消费者感受到这种情趣和氛围。
既然幽默是一种氛围，那么，这种氛围必须要有一定的方式来加以体现，就要有与之相对应的结构方式和一定材料与手段的使用。在主体条件相同的情况下，不同的表达方式所造成的效果是会有差别的，可能是幽默的，也可能是不幽默的。
幽默作为一种精神现象，体现在氛围上，由方式来体现，而氛围和方式所体现的则是一种心力。法国哲学家柏格森曾经指出：在真正属于人的范围以外无所谓滑稽。景色可以是美丽、幽雅、庄严、平凡或丑恶，但决不可笑。我们可能会笑一个动物，但那是因为在这个动物的身上，我们看到一种人的态度或表情。 “在真正属于人的范围以外无所谓滑稽。”这句话说得好极了，在属于人的范围以外，更无所谓幽默。幽默的氛围和方式，明显的受到设计师的心理意识的制约。幽默就是设计师创造和表现情趣的一种心力，一种智力（善于幽默）和勇力（敢于幽默），也是一种心灵自由度的结合体。
艺术，作为生活精粹的总结，幽默更是成为提升主题的精华。艺术鬼才达利是20世纪超现实主义画派巨匠，其作品总是让人充满惊喜，超现实的表达风格给了他更大的空间来展现想象力。讽刺意味浓重的作品，却选择了以离奇的梦幻与熟悉的幽默这样看似矛盾，却配合亲密无间的方式来表达，为他和他的作品深深地蒙上一层神秘色彩。
而在“幽默主义”的各种形式进入我们的生活领域时，我们的生活便有了更多别样的乐趣。如，摄影、广告、电影、娱乐等。在许多现代设计中，也处处充满了幽默色彩。例如媒体广告，就是我们平时最多能找到幽默的地方。商家们会选择以幽默的方式来宣传他们的产品，原因就是幽默为大众所接受，所喜欢。
因为幽默可以拉近大众与艺术的距离，通过这样的方式，也许本来艰涩难懂的本意会在瞬间变得有趣而简单起来。美国心理学家Dr.H.True在《Humor Power》中指出，“幽默能引发喜悦，带来欢乐，或以愉快的方式娱人。”幽默性设计即在自由状态下，用诙谐，生动的语言来表达传统和规范的一种创作手法。以嬉戏的态度对待枯燥乏味的规则，具有拿传统和严肃的规范开玩笑的特点，有点玩世不恭。
（一）超常夸张——通过对所要表达的想法或态度局部放大，从而达到强调与惊异的效果。
（二）游戏讽刺——这类手法多数以调侃的方式来表达，使受众会有可笑与无奈的感受。
（四）纯真童趣——以童贞的思想来表达作品，往往能唤起我们童年的有趣回忆。
（一）具有游戏童趣的“幽默主义服装”。设计师通过俏皮可爱、戏谑怪异的服装造型手法设计服装。一个很好的例子是被时尚界戏称疯老头Walter Van Beirendonck（安特卫普六君子之首）2008年设计的秋冬巴黎男装系列。这位胡子大叔不愧为“童话造梦师”，他向我们呈现出一系列幻想世界中的“幽默主义”服装。模特时而戴上虎头帽、时而将鸟笼穿上身，更饰以神秘图案和怪兽头饰搞怪，鲜嫩可爱的撞色，夸张且充满童趣的造型，非常具有欢乐感染力；少了些惊悚和愤世嫉俗，多了些喜感和人见人爱，就像真实的童话一样，为时尚T台增加了不少欢乐。
英国设计师Viviene Westwood 则以夸张，戏剧性的表现手法将街头文化导入高级时装中，产生意味深长、忍俊不禁的幽默效果；设计师Viktor Horsting和Rolf Snoeren 做了几季相对“低调”的服装之后，又在这次的巴黎时装周上将擅长的立体雕塑感设计推向新境界，感觉像是奶酪般带着大“空洞”的礼服裙夺人眼球，让人不禁想起08秋冬那些突出在大衣上的立体夸张字母，一样个性惊艳。“基于信任危机和人人都在剪短裙子，我们决定把舞会薄纱礼服裙切掉，”Snoeren解释说。当然，在这个大多数设计师都回归实穿性设计的时候，还能如此大胆的实践新奇创想实在勇气可嘉。
（二）“幽默主义服装”是运用反讽调侃的方式来表达的，受众会有可笑与无奈的感受，通过幽默的方式达到引人深思的效果。第一个例子也是来自胡子大叔Walter Van Beirendonck的作品“来自未来的遗骸”。反映的是对复活节岛历史的追思，重点研究文明的交往、文明的冲撞与文明的消亡。他独特的幽默感，绝妙的设计方式重新诠释了这个主题，用生动的颜色、大胆的平面图形，创造出一个来自未来、为了未来而创造的文明的遗迹、历史的躯壳。另一个例子就是被业界称为英国时装奇才、先锋艺术（Avant Garde）的接班人的候塞因·卡拉扬 （Hussein Chalayan） 作为John Galliano、Stella McCartney和Alexander McQueen的校友，1993年从中央圣马丁艺术学院（Central St. Martins School of Art）毕业，因为具有土耳其+塞浦路斯血统且信奉教，至今他的英语仍带着浓重的异乡口音。因此候塞因·卡拉扬敏感于国籍、民族、家庭等政治主题，也并非空穴来风。他在“Between” 这一作品中，几近的模特仅凭妇女的黑色长袍掩面，其余的模特身上的长袍，则根据出场次序，依次加长，最后兜头兜脚地包裹住整个身体。完全讽刺了与当今社会所认为的正好相反的，妇女的遮蔽不是受压迫，而是通过约束异性的审视，倡导内在的魅力标准而得到解放的理念。
“幽默主义”存在于生态学和人类发展学等很多学科中。鼓励和推动人们对社会焦点问题的关注。“幽默主义”不单是个性化的时尚产品，更是一种科学发展的、积极健康的、环保自然的、启发灵感的时尚生活理念。
摘要：橱窗设计是服装陈列设计的重中之重，不同的服装品牌卖场橱窗设计的陈列风格定位各不相同，本文通过对服装卖场中存在的三种不同的服装品牌逐一分析，总结出不同品类橱窗设计的陈列风格。
橱窗是树立品牌形象和建立与顾客交流的最直接的陈列方式，是传递企业文化不可或缺的专业手段，无论何种商铺，橱窗都是招揽顾客最有效的途径，是综合运用模特、道具、灯光组成展示空间的一种艺术形式。从19世纪40年代开始，大规模玻璃的生产促进了橱窗艺术更上一个新台阶，视觉营销的角色远不止充当商品的陪衬，现在的橱窗已经成为一种艺术形式，它在用自己的表达方式引起人们的注意。
如果你在一家商铺外，对它的橱窗陈列之美欣羡不已，忍不住走进去一览商品时，说明你已经被它的橱窗征服了。如果把一家服装卖场看成一本杂志，橱窗就是它的封面；如果把一家百货公司看做一场电影，橱窗就是它最精彩的电影预告片。橱窗既是一种广告手段，也让顾客深入了解店内待售商品的情况，不同类型的服装销售商，在不同的商场、不同的品牌和规模的服装零售门店，橱窗设计的风格应有所区别，根据企业或零售商的不同需求动机定制。接下来，本文将分别探讨橱窗设计在不同服装卖场的陈列风格运用。
高端服装品牌多坐落在较大型服装卖场中，在城市的高消费商圈中，并在卖场中处于重要的黄金地理位置，甚至于很多商场的橱窗也被高端服装品牌占领，或者占领了商场外部的橱窗展示区，这样的服装品牌历史悠久，深入人心。橱窗往往担负着维护企业形象、传递企业文化理念、凸显品牌高贵身份的任务。橱窗设计一定是建立在深入了解品牌历史、品牌设计理念的基础上，强调品牌精神。在高端服装品牌橱窗设计中，往往橱窗的空间足够陈列师发挥创意，橱窗设施齐全且橱窗投入经费大，并且有统一的道具制作管理，因此，常常高端服装品牌陈列师可以把设计创意发挥到极致。
以CHANEL品牌为例，我们从CHANEL品牌文化历史说起，COCO CHANEL是至今为止最具影响力与反叛精神的时装设计师，她认为女人必须像男人一样独立，才不会成为男人自由恋爱的牺牲品或附属品，这正是CHANEL品牌的精神。她证明了一个事实：奢华和高雅的极致是简洁。在CHANEL的服装设计中，黑与白是经典的搭配，COCO CHANEL喜爱的山茶花是CHANEL服装中不可缺少的图案与配饰，装饰性强的珍珠项链是CHANEL最常用的配饰。在理解CHANEL品牌服装文化的基础上，CHANEL的陈列师运用橱窗设计把企业文化源源不断地传播出来。
首先，我们从CHANEL的一季橱窗分析，从色彩上看，橱窗与CHANEL惯用的黑白色调紧密相关。橱窗里的礼服上经常设计有山茶花朵的元素，那些巨大的黑、白色山茶花朵，将时装产品的设计细节无限放大。平时普通的顾客通常不会去关注这些设计细节，CHANEL橱窗设计师帮助品牌把想要呈现给顾客的设计细节拿到橱窗展示中，可以保证每个经过CHANEL橱窗的顾客看清楚每个花朵的纹理和结构，而这些花朵元素在CHANEL的商品中均可以找到。
在橱窗的结构中，这些立体的山茶花朵图案呼应在橱窗的前景和背景，前景使用道具，背景使用广告画，将一个设计元素演绎到印象不可磨灭的程度。CHANEL时装经由特制的模特，将品牌价值传递得滴水不漏，模特手中的珍珠项链，也被陈列师采用放大的夸张手法演绎出来，完美呈现CHANEL品牌的高档奢华感，传播了企业的文化精神。
其实，我们从历年来的CHANEL的橱窗风格上看，黑白始终是贯穿橱窗的主角，其会、饰品、道具更是与黑白色调紧密相关。在每一季的会上，CHANEL都会推出一些具有代表性的饰品，比如大蝴蝶结、大别针、串有品牌标识等，这些经典元素，源源不断地在橱窗内蔓延。CHANEL成功地把思想体现在卖场和橱窗设计中。
中端服装品牌多坐落在较大型服装卖场或中型服装卖场中，在城市的中等消费商圈中，属于流行性大众消费品，在卖场中的地理位置属于二线位置，但通常有自己的一个或多个橱窗，是构成大众卖场的主要力量。中端服装品牌的橱窗通常既要维护企业文化，传播企业梦想，又要促进销售，提升业绩，使企业良性发展。因此，中端的服装品牌橱窗陈列风格需具备双重功效，品牌陈列师在橱窗设计中建立在兼顾企业文化形象和提升销售业绩的基础上进行，在发挥创意的同时注重当季产品形象特征，打造大众心目中喜爱的品牌形象。
以ZARA品牌为例，ZARA的梦想是用低价格为消费者提供最流行的服装。这个品牌认为消费者的购买目的是立刻拥有“流行”的服装。对消费者来说，“流行”就是时装杂志上看到的服装和明星们在电视节目里穿的衣服。ZARA的卖场通常非常大，甚至有的相当于一个百货卖场，在ZARA中集合了几乎所有其他品牌的流行服装，男装、女装、童装一应俱全。
ZARA品牌从不做广告，杂志、电视中都没有，ZARA的店铺里也没有专门的人做购物引导，因此，所有销售梦想都要通过店面陈列来体现和完成，因为ZARA货品更新的速度非常快，每周两次。由此，ZARA店铺的陈列外观也是常常更新，通常ZARA的橱窗按功能或品类分类至少2个以上，而更新的速度也非常快。在橱窗的设计上，往往定位中端却模仿大牌，给消费者一种奢侈品的错觉。大家可能想不到的是，在ZARA品牌初期，店面形象是木质构造，而在企业发展4年之后，企业更换了店面风格，模仿大牌的陈列手法，使消费者从橱窗中便以为即是“奢侈”品牌，可见陈列橱窗设计对于提升品牌形象的重要性。只有在少数的打折期，ZARA才会在橱窗中标识折扣，促进销售。因此，ZARA是完美结合提升品牌形象和促进销售的中端服装品牌。
最新的ZARA在伦敦的旗舰店开业，其主要特色就是它的外立面和橱窗的设计，色彩上设计师选用了棕褐色的面板，并用金属包边。所用的81块豪美斯面板和3张钢片，通过结构把它们按一定角度折好，形成有趣的三维形状，把橱窗紧紧地包裹着，创造了一个极具冲击力的视觉效果。在橱窗中，黑白线条的背景，通过线条的变形形成膨胀感，直逼人眼球。模特的摆放形成黄金三角形，穿着ZARA当季最新的服装，既有大牌的气势，又宣传了货品，提升了货品价值，成功地塑造了中端品牌的形象。
我们再来看一组ZARA在促销期间的橱窗设计风格，在这一季度促销期间，ZARA在橱窗中没有摆放任何货品，而是选用了一副大的招贴画，使用黑白光速的效果使顾客目光能够瞬间集中在招贴中间的打折字母上，即使距离很远，也非常吸引目光，十分醒目。ZARA的陈列师有效地利用了人的视觉错觉，仅用一幅招贴布置在橱窗中，就达到了有效的宣传力度，增加了顾客进店率，发挥了橱窗的有效作用。ZARA是中端服装品牌较成功的典范，它的橱窗陈列风格也是值得我们国内中端服装品牌学习和借鉴的。
小型的零售店通常坐落在时尚街头的商铺，或者是聚集在年轻的商业卖场中，通常在城市的大众消费商圈，且年轻时尚人士聚集地，通常商铺的面积不大，也不一定有固定的品牌售卖，但店内服装货品风格通常统一且鲜明，独具特色。这样的服装零售店视觉营销要根据营业面积大小具体实施，大多数零售店不能形成封闭式橱窗，以半封闭式或开放式橱窗为主，甚至有些卖场没有橱窗区，只能用一组VP区域代替橱窗的功能。小型零售店虽然小，但因为小更容易掌控整体风格，易统一，易更换面貌和氛围。小而精的橱窗往往是小型零售店独具特色的设计，是陈列师可自由发挥创意的小舞台。
以FLIGHT 001品牌为例，001号航班是一家专营旅行用品的概念店，他们在纽约的第一家店就吸引了公众和媒体的注意，在视觉营销的完整形象，获得业内人士的一致认可。他们的创意，已经被很多零售行业人士所效仿和追捧。001号航班概念店在陈列设计上考虑了每一个细节设计，这家店在陈列设计中，立足于品牌“旅游”的概念之上，有了明确的理念，从整个的商店外形到内部，都以国际航班候机室为商店原型，充满趣味。
在FLIGHT 001橱窗设计中，首先在店牌上面有清晰的店标，色彩上白底蓝条的店牌巧妙借鉴了航班特点；清晰的标识犹如对白，在向顾客传递品牌信息。其次，从结构上看，下面的橱窗采用全透明的玻璃前景，仅简单饰以店标，橱窗背板是航班的内仓廓形，做成半封闭式的橱窗，既突显了VP的展示区，又可以使顾客直接看到内场的货品，吸引顾客进店；橱窗中的道具设计犹如飞机的仪表台，使机仓的风格深入人心，全白色的橱窗，陈列红色、黑色的旅行包，相得益彰。整体风格时尚、统一。
从001号航班的橱窗陈列中，我们看出，店不在小，主题要明确，在一定理念上形成一定的陈列风格，是小型零售店橱窗设计应遵循的法则。此外，因为店小，货品摆放更应该精美。成功的小型零售店橱窗设计风格一定是充满趣味性的商品组合、创新的商店设计和有助于支撑品牌形象及激发顾客购买兴趣的商铺。
通过分析不同卖场中橱窗的风格设计，我们发现，橱窗的风格一定是建立在陈列师充分了解品牌文化，对企业的发展需求有明确定位的基础上形成的。如果说评判橱窗好坏的标准就是能否促进销售，我觉得还不够，橱窗不只要促进销售，还应该蕴含和宣传品牌风格及其文化。巴黎春天百货创意总监弗兰克・邦谢说：“设计橱窗时，首先应明确你要陈列的商品中蕴含的主题与精神，然后赋予其一种理念。注意，只有独特的理念才能让设计中与众不同的东西呈现出来。”
无论何种服装卖场，橱窗都是维护品牌形象风格的重中之重，设计的方案不仅要与品牌形象吻合，更要能发扬它。毫无疑问，在色彩和结构上充满新意的橱窗能起到促销的作用。除了最初的建设成本，橱窗是仅有的无需付费的主要促销手段，因为它是商店建筑的一部分，所以值得充分利用。很多零售商投入大量营销预算去做一些艺术品；而有的零售商只是简单地把自己的产品呈现出来，却同样收到很好的效果。然而，有些商家从没有把橱窗的作用发挥到极致。无论是像百货商店那样的大橱窗，还是服装卖场里的中型橱窗，亦或开向街道的小尺寸橱窗，都需要认真规划。精心布置的橱窗陈列不仅能把购物者引入店内，还强化了零售商的品牌形象，形成独到的品牌陈列风格，它既是一种广告手段，也让顾客深入了解店内商品的情况。
高端服装品牌橱窗较大，设备齐全，可以发挥创意设计，制定橱窗主题方案，进行系统实践，或者是分类、专题设计；更可以多种手法并用，提升品牌形象，从而促进销售；还可以采用多种形式美法则搭配高档、有价值感的橱窗风格。与高端服装品牌相比，中端服装品牌及小型零售店铺应更偏重于提升销售，在保证销售的基础上进行橱窗设计，这样才能保证企业良性发展。其中，中端服装品牌的橱窗风格应贴近大牌，同时引人注目，应结合促进销售、提升品牌形象的规律来做好橱窗；小型零售商的橱窗应该做出自己的特色，形成独特风格，当风格存在了，才有助于形成固定客户群体，从而促进销售。综合以上分析，好的陈列师应该根据不同的服装品牌掌握橱窗设计风格方案，掌握橱窗设计风格的基本原则。在变换品牌的时候，陈列师要立足品牌，及时分析消费定位，了解品牌文化背景，根据不同品牌运用适合的橱窗设计风格，才能做好橱窗，导演好整个服装品牌的“开场式”。
[1] [英] 托尼・摩根，陈望译：《视觉营销――零售店橱窗与店内陈列》，中国纺织出版社，2009年版。
项目教学法是学生在教师的指导下完成一个工作项目，教师指导学生完成整个工作过程。学生以团队合作的形式，对学习任务进行分析、制订计划、找出关键问题、实施计划、评价、拓展。这种学习方法对学生的自觉性要求比较高，需要教师对学习环节进行设计，调动学生学习积极性。总的来讲，项目教学法是以学生为中心，教师引导学生学习的教学方法。服装款式设计是在技工院校服装专业第4个学期的课程，学生面临下厂实习与就业双重压力，此课程尤为重要。为学生更好地适应服装企业工作模式，更快地融入服装企业的生活文化，项目教学法在服装款式设计课程中的应用势在必行。
《服装款式设计4》是服装设计与制作高级班的一门专业核心课程。学习完本次课程后，学生可以应用淑女装设计元素进行淑女风格服装设计。此次课程的开设是通过广州服装市场调研，与企业专家进行访谈，对企业典型工作任务提取而获得，是广州女装企业中最常用到的任务之一，具有代表性、典型性。根据企业对不同层次人才的技能需求与教学计划要求，我们将服装款式设计分为四个阶段：初中级水平层次，服装款式设计1、2；高级水平层次，服装款式设计3、4。其中，本次课是高级班层次的学习任务二《服装款式成衣设计――淑女风格服装设计》其中的参考性学习任务：为“淑女屋”服装品牌设计开发下季度春夏新款。通过本次课的学习，学生能够确认市场调研对服装款式设计的重要性，查阅淑女风格服装的相关资料，正确编制淑女风格服装工作计划，应对突发事情的能力。根据这一目标对教学内容做如下处理：以《开发“淑女屋”服装品牌下季度春夏新款》为学习任务书，指引学生实现“学习的内容就是工作，通过工作实现学习”的目的。
本课程开设时间是第4学期（服装款式设计4），学生专业基础知识已经学习完毕，面临就业，但是现在的设计能力还无法达到企业的要求。同时，在珠三角地区淑女装占整个女服装企业的60%。因此本次课程，以淑女风格服装款式为例，通过元素提取法、魔法盒教学法等多元教学方法让学生通过淑女装某一局部设计，理解淑女风格设计。为遵循现代服装企业文化内涵及企业设计部门的开发要求，促进学校学习与实际服装企业工作任务无缝对接，由教师带领学生实地考察淑女装品牌专卖店，学生以独立思考的方式，提取“淑女装设计元素”，制订学习计划并通过小组讨论做出决策。在实施过程中，学生动手完成教师所给的学材，动手设计制作出具有淑女装风格的领子。教师评价提取淑女装设计元素是否运用到款式设计中，及绘制服装效果图是否与淑女装款式风格相符。任务完成之后，学生对物品进行归置，填写活动评价表，提交手工完成的设计作品，进行展示与评价。
根据教学目标和学生特点，教学策略设计为“工学一体”的教学模式。首先，教师运用服装企业设计部情境再现，采用角色扮演法，培养学生职业素养。引导学生进入工作任务之后，以学生为主体，教师为主导，小班分组的教学组织形式，用行动导向教学法突出学生的主体地位。追求学以致用，工学一体的课堂，同时培养学生社会能力和方法能力。组织学生分组讨论，制订计划。小组沟通决策，培养学生表达能力，思辨能力。实施过程培养学生动手操作能力。检查与总结提升起到举一反三，触类旁通的作用。教师采用课件辅助教学以企业工作流程为主线，贯穿课堂教学环节，来体现“学习的内容就是工作，通过工作实现学习”的教学思想。
首先引入项目教学法课题，教师播放“淑女屋”服装品牌走装秀视频，时长约3分钟，提出问题，要求同学们谈谈观看视频的感受（如服装风格、元素、色彩等），学生回答问题（互动环节）。其次，教师进行课程介绍，服装款式设计课程是款式分类与设计，主要从美学原则、构成、设计过程、分类设计、表现形式等几方面讲述了服装款式设计的基本规律与方法，包含创意设计与成衣设计。淑女装设计为成衣款式设计的一个环章节。本章节是通过一个完整的工作项目，贯穿整个工作流程，用时2个学时，从分析到计划、再从提取设计元素到动手设计制作以及最后的整体绘制时装效果图。整个过程参照了企业生产流程，让学生深入设计开发新产品的同时逐步掌握“淑女装设计”的技能。另外结合综合评价，对学生提出要求，引导其发挥各种社会能力（如团队合作、表达能力、设计绘画水平、策划能力等），更好地适应服装企业的工作。最后，考核方式为设计制作淑女风格服装衣领60%+作业（绘制淑女服装效果图1套）40%。学习过程是学生接受任务书，了解工作内容及工作要求，通过情境描述模拟服装公司设计部（淑女屋）――进行淑女装设计（部件）。公司要求设计师根据下季度流行趋势，设计淑女装，并制作出符合淑女装的一个服装部件，与客户联系，得知客户要求产品时尚、符合市场需求、体现淑女装设计元素。
项目教学法学习过程是以小组为单位，组织学生运用网络收集淑女装电子图片、书籍纸质信息材料、淑女装相关视频或市场调研拍摄照片等资料，完成信息收集。在收集资料的过程中，学生需要明确收集信息的方式和方法，提供可展示的信息，将收集成果以资料总汇、数据图表等形式整理出来，以便于后续的对比分析。活动以小组为单位，采用举例法、类比法等方法对收集回来的信息进行整理类比。最后，各学习小组展开并提交本组的“信息搜集表”，并根据任务实施过程要求，按照信息收集分工计划完成信息的收集与整理工作，以工作小组为单位，完成可展示的信息收集成果，并进行展示。教师点评学生信息收集的全面性、针对性以及信息收集和整理、类比等情况。
在提取淑女风格服装设计的设计元素（关键性问题）这一教学活动中，决定这次项目质量的关键性因素有两点。其一，淑女装的范畴与淑女装的含义和特征、消费对象。其二，教师引导学生课堂游戏――魔法盒教学法，通过游戏让学生学会对淑女风格服装设计元素的提取。魔法盒中放着各种服装面料色卡、钉珠、烫钻、珍珠、蕾丝、花边、柳钉、撞钉、工字扣、四合扣、铁链等辅料。学生在魔法盒中随意抽取物品，说出是否符合淑女装风格。通过教师给出的信息，以小组为单位，以小组访谈的形式对整理后的信息进行反馈与讨论。小组成员其中一名担任组长负责统筹全局，其余为讨论小组成员，通过“魔法盒”的教学活动，从中提取淑女风格服装设计元素，展示魔法盒游戏活动成果，根据魔法盒游戏的活动成果把提取出来的设计元素用准确的语言归纳在表格中。
4.教学活动四：处理提取设计元素中出现的问题，做出解决方案，制订淑女风格服装设计计划（课时讲授15分钟）
在此教学活动中，学生处理提取设计元素中出现的问题，做出解决方案，制订淑女风格服装设计计划。以小组为单位进行思考和讨论，根据前阶段分析结果，思考并解决淑女风格服装设计元素出现的问题；针对淑女装风格服装的领子选取设计元素；每个同学根据关键问题和个人的实际情况制定个人的淑女装风格服装设计工作表；依据制订的工作计划找相关的淑女装风格服装知识，对不同系列进行分类。综上所述，各小组需要提交“淑女风格服装（领子设计）计划书”给教师，师生共同评价完成正式计划，教师点评学生制定技术的完整性、合理性和可实施性，并要求计划与实际相结合。以小组为单位，进行思考并讨论，根据前阶段的分析结果，思考影响淑女风格服装设计的因素有哪些，并形成文字张贴在张贴板上。在上述内容完成的基础上，教师指导学生制定淑女风格服装（领子设计），填写工作计划。
5.教学活动五：按照淑女风格服装（领子设计）工作计划表，动手设计出淑女风格服装领子实物（课时讲授35分钟）
在实施过程中，教师首先说明工作要求选定几种设计方案，拟定计划，有效利用时间进行动手设计，切实动手执行设计方案，避免浪费时间。设计方案要求版面书写工整，领子制作美观、精细。组织各个学习工作小组，认识设计制作淑女风格服装衣领。在教师的安排下，学生进行抽签，每组由组长代表，随机抽取魔法盒中的简约系列、洛丽塔系列、田园系列其中之一，按照抽到的系列制作淑女风格服装的衣领。接下来，同学们进行魔法盒游戏。魔法盒中有花边、蕾丝、珠片等一些淑女装的设计元素，也有一些其他的辅料。上一环节获胜的小组（元素提取准确的小组），组长有优先获得选取魔法盒中的设计元素的权利，这种优胜教学机制可以增强每组间的竞争，激发学生的学习积极性。教师发放领子模板，学生根据自己的设计修剪领型，选择自己所需的工具、材料、杂志等，每组组员对选取的设计元素进行淑女装领子设计制作。学生进行制作，教师巡回指导。在制作过程，指导学生在制作过程中出现的问题，把握淑女风格系列的设计特点。最后小组评选出1个最好的进行班级PK，选出获胜的小组，把完成工作过程中出现问题的书面卡纸进行张贴，归纳总结问题以及问题出现的原因。以小组为单位，鉴赏讨论各自做好的淑女风格服装衣领与抽签抽到的系列是否相吻合。
本课程的最后一阶段为评价环节，完成淑女风格服装款式设计展示与评价。首先学生进行自我评价，小组进行打分评比。以第一组为例，学生把第一组设计作品进行解说、模特展示，2～5组组员分别进行评价，评价完成之后组长算出第一组每一位同学的平均分（10分制），2～5组以此类推。然后教师点评1～5个设计组中具有亮点或有代表性的作品。教师总结每个小组的完成情况，评价课程要点。每个成员自我展示工作成品及自评，每个成员上台介绍对淑女风格服装设计的认识，阐述自己的设计理念。成员之间互评，同学之间进行讨论，选出比较完整、整体效果突出的作品。教师作为设计总监对设计师进行整体评价。淑女装多采用柔和淡雅的色调，款式含蓄，整体简洁，局部细节装饰，强调繁复有序的精致，面料讲求柔美、舒适、有质感，工艺考究，注重整体搭配。一方面学生通过PPT和展板等形式展示每组淑女风格服装的设计情况，组长记录组员动手设计过程中的评价意见，教师对每个作品给予评价意见；另一方面根据老师和同学的评价建议，对个人的设计作品进行修改和完善，提高各小组作业的质量与效率；最后点评知识点的执行情况，分析作品与要求是否相符，各小组成员提交修改完善好的设计作品给组长，教师对全班各个同学收集整理的材料进行评价，针对共性问题进行公开点评，个别问题进行个别指导。各个组员根据老师和同学们的评价建议，对个人的材料进行修改和完善。
通过服装款式设计的学习，使学生掌握设计风格元素提取的方法并动手制作出符合相关风格服装部件。元素提取的设计方法是一种学习服装款式设计的技巧，通过服装风格设计元素的提取方法的学习，可以举一反三对其他服装风格设计元素进行提取。教师通过指导提取的设计元素，可以使学生学以致用，通过动手设计制作更好地掌握这种设计风格。本课程的学习，全部学生可以跟随教师的引导一起动手，积极动脑。整个教学气氛活跃，学生可以主动学习。在教师设计的游戏教学环节，学生的积极性达到了整个课堂的最高点。学生可以完成教师本节课的教学目标，掌握本节课的学习重点和难点。
工学一体化的课堂教学，就是理论实践相结合，教中学、学中做，教学做一体化的教学模式。坚持实用为主、够用为度的原则，以职业技能训练为核心。工是指企业实际工作过程，完成符合企业风格的服装款式并成功开设订货会；学是指学生学习的过程，完成培养掌握技术技能并且具有综合职业素养的学生的任务，检验学生掌握知识的情况能否达到预期的学习效果。成功之处：教学每一个环节中，都插入了一些学生感兴趣的游戏环节；游戏以小组之间竞争的形式完成，激发了学生对学习内容的积极性和主动性。不足与改进之处：深入走进企业，让课堂教学与企业工作完全结合，让学生身临企业工作的线.服装款式设计课程中的项目教学法课程教学反思
通过本课程的教学，笔者发现学生对问题式的话题讨论参与思考发言的积极性比较高。讨论之后要求发言回答，学生会很认真地做准备。以后的教学工作中应当多进行此项教学手法的尝试米乐，尽量提供学生身边熟悉的最感兴趣的话题，让学生“有话说”，以此来提高学生参与思考的积极性。在整个教学过程中，同学们积极参与，让学生在快乐中学习，而不再是填鸭式的教学，这样的教学才是真正有效的。在与其他教师进行交流的时候，常听到有教师说：“学生坐着不动、懒，教师辛苦地传授完知识，学生并没有学到什么”。而笔者认为，教师可以用心、动脑激发学生的学习兴趣，让学生动起来，让他们快乐地学习。有时笔者也会遇到一些学生“坐着不动，懒”，笔者会课下跟他们聊天，找出原因。通过总结，笔者认为大多数学生想学习，喜欢这个专业，而不想“动”的原因可能在于教师没能为学生创造思考表达的氛围。
[1]辜东莲.工学结合一体化课程教学设计荟萃[M].北京：北京师范大学出版社，2015.
服装设计的创意思维方式很多，例如横向思维、纵向思维、正向思维、反向思维、多向思维、侧向思维等，服装设计中的“打散-重构”思维模式，是实践教学中完成的创新思维方式，即把构成服装的各个要素分解，并对每个要素进一步打散分解成小元素，从中选择最佳元素加以调整，再重新组合，完成特定条件下创新设计作品。
服装设计是对人的整体着装的设计，其设计离不开人和服装两大因素，对于服装设计因素的打散――重构就是指对人、服装两个要素的分别打散、重构。
服装设计是针对人着装的设计。人是服装的主体，是有思想、有思维、情感的特殊社会人类，具有生命物质的客观因素，即性别的因素、年龄的差异、形态结构各异的特点。人自然属性的不同其根本原因取决于性别年龄生理结构的差别，人有先天性的外在风格表征：东方人特征、西方人特征、古典型、时尚型、外向先、内向型、等人的自然属性特征。
人作为社会的人，不仅作为自然个体独立存在，也是团体的人更是社会的人。这样就把社会中的人划分不同的类型层次，有身份、地位、职业、场合等。即按照TOP原则进行分散：T（time）时间，公转时间：年度、季度、月度；自转时间：早晨、中午、晚上；P（place）地点，经纬位置、国别、城市、宾馆、饭店、礼堂、演播厅等；O（obiect）目的场合，具体环境气氛庆典、会议、交流、娱乐、访问、休闲等。
服装设计是针对服装的设计。服装不仅有满足服用功能的实用性、合理合体的机能性，还具有满足审美功效的审美性、合情悦人愉人的艺术性。服装通过整体表征传达一定的风格特点，需要由构成服装的三要素以及图案配饰等其他辅助要素支持完成。
服装所体现的风格，是时代社会民族政治经济文化以及人们的素质修养等多方面因素的综合。概括为个人风格、民族风格、时代风格等。时代风格是指时代有影响力的服饰特点，例如： 40年代军装风格， 80年代男性化风格，等；民族风格是民族文化的综合体现，如：东方风格，牛仔风格，西班牙风格。
服装的款式造型概括为两个方面：整体形态的外轮廓造型和局部的形态内部结构分割。整体轮廓主要是外部造型的变化，即A型、O型、H型、X型、V型等；局部结构形态主要是指构成内部结构的因素：省道、裥、辑线等。
在服装的配色中，包括无彩色系，有彩色系，有彩色系的同类色，对比色，互补色和无彩色系的相互搭配中。
服装的材料选择上，涉及面料和质地等方面，材料包括天然纤维材料和化学纤维材料，天然化纤混纺及新型特殊材料。从质地上分析有厚重型、轻薄型、挺爽型、粗矿型、细腻型、华丽感、质朴感、飘逸感等面料。
面料中的图案在服装整体形象中也是重要啊一部分。图案风格分：传统图案、民族图案、现代图案；内容上分自然物图案、人为物图案等；工艺上分：织花、印花、刺绣等。服装中图案并不是孤立存在的，其纹样、色彩、组织与服装构成设计相似，以可以融于服装构成要素中。
服装配饰也是服装装扮的一部分，是整个着装形象设计的点睛之笔，如帽子、眼镜、鞋、首饰、包、伞、等同样是构成服装重要的一部分，追求与服装整体效果的谐调、统一。
通过对服装设计中主体和内容做了打散，其目的就是分析认识设计元素，为的设计创新――重构。
设计是艺术同时也是技术。如果把“打散”比喻成是拆机器零件，认识了解机器性能原理的话，那么“重构”则比喻为在充分认识了解零件性能原理的基础上按一定的规律要求设计出新机器产品。重构是对一些散乱的机器零件进行整合组装，这种整合组装不是简单的技术相加，而是上升到一定的艺术层次，是一种设计创新。
在服装设计中重构是对打散的已知元素的组合，已打散的各主要元素又包括许多的子元素，这样逐级打散，在众多的打散元素里进行有选择的、遵循一定的顺序元素整合，并逐级选择最佳元素组合重构。在组装整合过程中元素遵循一定顺序逐级重构，同时还要考虑到美学原理，以及自然、社会等多方面制约因素，进行整合重构时应把元素放在形式美学、自然、社会大背景里，才能构成深层文化的着装状态。
通过具体的实例来演示说明“打散―重构”在服装设计中的应用，如我们要完成教学课题：为春节联欢晚会女主持人设计服装。具体流程是：
第一，服装设计主体重构定位。在设计主体的打散因素里要选择所需要的因素即对人的年龄身份地位职业特点、形体结构、性格特点、所在时间地点场合等因素打散分析来确定人的定位。春节是传统的节日中最重大节日，春节联欢会的举行按照传统要在除夕的晚上体现出全民同庆共度联欢，要在场景效果好的演播大厅举行，主持人要求身材较标准，形象气质良好，并体现女性特点的人，有表演能力，有一定社会地位，有一定影响的力。经过对这些打散因素的分析筛选，得出设计结果。
第二，服装设计内容的定位。在服装内容的打散因素从服装特征、风格的打散定位，到构成服装的相关要素，款式造型、色彩配置、材料质地、图案配饰等细节元素打散定位。具体分析如下：
演播厅里的晚会很注重舞台上镜表演的欣赏性效果，服装是以审美性为主，艺术性强，装饰性强；庆祝中国传统节日，要突出中国传统风格特色，这是服装设计的风格定位；在款式造型上以传统外型特点，结构上瘦身合体；色彩上，体现传统节日喜庆、以对比色系为主，以无彩色系加以调和；材质选择上，结合所在舞台、灯光、背景，选择具有挺爽型、华丽感的天然丝制面料，材料以突出舞台大效果；面料图案可选择带传统风格的印花牡丹图案，配以具有传统风格首饰，颈饰、首饰、头饰等作适当选择起呼应点缀作用。形成“服装”因素打散后经理性分析筛选完成的最终定位。
第三，“人”“装”合一。我们明确定位了“人”的因素、“服装”的因素，有了“人”、“装”两者的相加融合组构，这就完成了“打散―重构“的设计。即有东方传统风格特点的人，穿着具有东方传统的服装，出现在传统节日背景里，人、服装、环境融合演绎在一起，形成了高境界的完美统一。
1.1不对称悬垂褶的长短、数量和褶量悬垂褶的长短、数量及褶量不对称的原因主要来源于2个方面:首先是设计师的主观行为，即设计师出于设计需要有意将悬垂褶的长短、数量和褶量设计为不对称式的，以形成自然、随意的设计外观形式;其次悬垂褶长短、数量及褶量的不对称形成于设计实践过程当中，尤其在试制样衣阶段，操作者根据设计过程中产生的具体情况保持褶皱的不对称状态以形成偶然的设计效果，属于客观行为因素。
1.2不对称悬垂褶的造型特征悬垂褶外观造型的不对称特征指在同一服装设计作品当中悬垂褶的设计会出现整体悬垂褶造型与局部悬垂褶造型不对称及局部悬垂褶造型相互间不对称等状态。由于悬垂褶的设计是非常注重造型形式概念的设计，所以该类形式内容是设计的核心部分，本文将对不对称悬垂褶的造型设计进行细分与归纳。1.3不对称悬垂褶的视觉分割对称人体是不对称悬垂褶服装设计的参照基础，图1示出1款不对称悬垂褶的视觉分割作品。该作品在服装基本格局上采取了不对称视觉分割设计，附着于该类服装格局的悬垂褶皱存在于起始点与另一承受力点之间，呈现出曲线型悬垂的形式特征，因此，可以判断不对称悬垂褶的设计出发点是以视觉上的不对称分割形式为主，其目的可形成具有特殊审美效果的不对称褶皱的悬垂美感。为了形成具有突出艺术感染力的不对称悬垂形式，设计过程中至少存在2个设计参考点:在设计初期基于人体的对称式参考;在设计中、后期如何利用服装格局的不对称、服装垂褶的不对称所给予的不对称式设计参考。
2不对称悬垂褶的造型分类本文对4种不对称悬垂褶造型设计分别进行了分析与归纳，并用图2示出了造型分类。值得注意的是，这4种造型设计往往不会单独出现在同一服装设计作品当中，常常以2种以上的不对称悬垂褶造型出现，以对立却统一的矛盾形式存在，极大程度地强调了该类作品的艺术形式感［2］。
2.1整体不对称在悬垂类服装设计作品当中，整体或80%以上面积呈悬垂状态造型的设计作品即为整体不对称造型，如图2(a)所示。该类作品整体的服装架构即为不对称式剪裁，具悬垂度的光泽感面料以人的肩部和胸部为悬垂支点让服装整体呈自然直线型悬垂状态，只在右下摆的设计上略作调整呈并不突出的U型悬垂，但这里的细微调整却没有破坏服装整体以自然不对称悬垂为主的设计倾向，这一类作品风格随意而前卫，不对称悬垂褶设计是该类作品的点睛之笔［2］。2.2局部不对称局部不对称悬垂造型指服装某些部分造型呈不对称式悬垂。如肩部、胯部、领口或下摆等部位出现了不对称悬垂褶的设计，其设计形式及表达方法多样。如图2(b)所示的是1款局部不对称设计实例。该作品左肩部位呈不对称式分割设计，悬垂褶皱在服装的右肩点与左胯点往上的位置之间形成，呈局部不对称式悬垂褶设计。这一类不对称悬垂褶的设计能够在服装整体造型中形成视觉趣味点，延长视觉审美，在现代服装的成衣类作品当中尤为多见，具有审美与实用的双重特性。
2.3整体与局部不对称在整体以不对称悬垂褶设计造型为主的服装基础上，服装的某个局部同时也呈现出不对称式悬垂褶设计，称为整体与局部不对称的造型设计［3－4］，如图2(c)示出的是1款整体与局部不对称实例。该作品整体而言属悬垂性褶皱设计当中的垂荡式悬垂，服装主体悬垂部分风格以自然动态的悬垂褶状态为主，但同时为了取得一定的装饰效果，在左肩悬垂支点与右胯悬垂支点之间设计了多方均呈不对称特征的曲线式悬垂褶设计，达到了造型形式上的多元化特征。
2.4局部之间的不对称图2(d)所示的是1款局部与局部不对称实例。该作品的悬垂设计结合了曲线型悬垂褶与直线型悬垂褶的设计，本身已存在一定程度上的不对称特征，而右肩单独的U型悬垂褶的设计可视为局部的设计亮点。与之对应，该作品右胯部分同样呈U型悬垂褶设计，以类似的重复的设计语言与前者呼应的同时却在位置的设置、造型的体积大小上强调不对称感，丰富服装主体造型形式内容。
3不对称悬垂褶的风格现代服装设计作品中不对称悬垂褶的设计作为具有特殊审美效果的创作手段能够以各种设计格局来实现悬垂褶类服装设计作品的造型特征，且能够延长视觉审美的时间，吸引观者的注意力与感情，但同时该类作品的设计者在注重营造这些特征的同时也非常注重主体风格的保留与延续，并会以各类创新设计手法丰富服装主体风格的内容及层次［1］。
3.1古典主义风格自然、随意与优雅是悬垂褶类服装设计作品的常见风格，这种具有古典主义特征的风格在同类作品当中所占比重较大。当前，不对称悬垂褶服装设计创作手法及设计观念的演变从一定程度上已对该类作品的古典主义风格产生了较大影响。从整体而言，不对称悬垂褶的造型设计虽有意突破设计格局，但较少改变服装原有的唯美特征的古典主义风格，即仍会以古典主义风格为主，或者古典主义风格在不对称悬垂褶服装设计中仍是大多数设计者的设计初衷，因此，不对称悬垂褶的主要设计用途可以被确认为造型形式上的装饰性对于主体服装风格的丰富与统一。
3.2前卫主义风格前卫主义风格在不对称悬垂褶服装设计中占据一定的比例，且随着社会观念、审美理念的发展其比例会有所扩大。属于前卫主义风格的不对称悬垂褶服装设计作品形式感尤为突出，通过不对称悬垂褶的造型格局、装饰手法等来突出设计者特殊的设计观念，且需将不对称式悬垂褶的无规则、无模式的特征进行一定的夸张。
3.3风格创新将不对称悬垂褶的古典主义传统风格与具有前瞻意义的前卫风格相结合会创造出一种新的设计造型，这类造型由于风格特征模糊，很难用具体的风格特征来对其进行概括，但却占据着一定的设计比例，如图3所示。从这类作品的外观造型特征而言，其源于前述2种风格的综合表达，可形成独特的艺术审美效果。图3所示的服装总体格局具有明显的现代主义特征，剪裁简洁而适体。不对称悬垂褶被设置在剪裁独特的领口和腰身部分，垂褶造型内敛，形式也并不夸张，与服装主体风格存在一定的矛盾与冲突，却能够丰富主体内容，使2种风格综合于一体。
4.1结构方法具有不对称悬垂褶设计的服装作品在服装的基本构造上、裁剪的方式上都与不对称的形式特征结合，结合悬垂性褶皱的悬垂美感达到特定的设计目的。与不对称悬垂褶结合的结构手法多样化而难以统一，且在设计操作的过程中会根据作品出现的偶然性特征作出调整［5－6］。根据目前由实践操作过程中得来的经验及案例来总结，能够强化不对称悬垂褶外观形式特征与美感特征的代表性结构手段有2种。1)结构分割及错位。结构分割及错位是一种结构设计方法，通常指服装结构的分割及改变常规服装结构位置的结构设计方法。这种结构设计方法在不对称悬垂褶服装设计中具有视觉分割的作用，将不对称的服装结构分割与悬垂褶的造型相结合，可增强视觉艺术效果［7］。如图4所示，该作品衣身呈不对称式剪裁，悬垂褶的线条依附于衣身裁片的形状而存在，在结构交叉错位的位置则会产生格外不对称式的垂褶量，既丰富了设计内容又形成了服装主体的风格。2)斜裁。斜裁可使服装材料悬垂感增强的同时形成边缘的不对称悬垂特征，属于偶然间形成的并无固定外观特征的不对称悬垂性动态褶皱。在有意利用不对称悬垂褶形式外观特征达到特殊艺术效果的设计中，服装设计师会保留服装边缘的不对称式悬荡型褶皱，或在斜裁的过程中结合必要的手法(如增加悬垂褶的数量及质量、斜裁的同时增加分割线以方便形成更加显著的不对称悬垂褶现象等)以强化悬垂褶不对称式设计特征［8］。
4.2工艺方法固定、缝纫、牵引、打结、编织等操作方法是不对称悬垂褶服装设计当中常见的工艺设计方法，其操作特点在于利用各种手段固定服装某部分的材料以借助于力学原理迫使相对应部分产生不规则型、不对称式悬垂特征，如图5所示为某作品的肩部设计。其利用了缝纫固定的方法形成发散点，发散点相应部分则产生了长短、疏密、数量上不对称悬垂褶设计［9］。
4.3装饰方法不对称悬垂褶的装饰设计手法多以不对称悬垂褶皱本身的悬垂美感结合适当的其他装饰手段为主［10］，其装饰设计原则为其他装饰手段与不对称悬垂性褶皱结合使用时应注意装饰的主次关系，其装饰方法多样，但风格较为统一，较具有设计创新概念的代表性装饰设计手法有以下3种。1)结合服装结构的装饰方法。不对称悬垂褶类服装设计作品的结构设计在实现结构本身的实用性之外，当其与不对称悬垂褶结合使用时也要求其在形式感上更富有视觉上的装饰性，即通常所说的能够使观者产生兴趣、延长审美时间的设计点。因此，如前文所提到的不对称式结构裁剪、结构错位、斜裁等方法都是在不对称悬垂褶设计当中可起到结构主义和解构主义且极富装饰效果的作用。2)结合服装造型的装饰方法。不对称悬垂褶的造型设计主要分为整体造型设计与局部造型设计。受一定流行美学及历史因素的影响，其造型设计整体的创新概念主要体现在极富装饰感特征的设计上［11］。在设计过程中设计师较注重不对称悬垂褶外观造型的形式特征，或夸张局部不对称悬垂褶的外观造型，或有意使整体不对称悬垂褶的造型设计在结构实用的基础上进一步强化线条的造型美感等等。这些设计手法都从一定程度上体现了不对称悬垂褶服装设计作品的设计创新性。3)结合其他装饰的装饰方法。由于不对称悬垂褶的装饰形式感特征突出，因此在进行设计时，如需使用其他装饰手法，如常见的刺绣、珠绣、镂空、编织、点缀等装饰手法的同时要较注意其他装饰手法运用的范围与尺度。该类作品悬垂褶的线条以曲线型及直线型不对称式悬垂褶造型为主米乐，同时点缀有其他装饰物，仍以不对称式悬垂褶本身的线条美感及造型特征作为主要的表现内容，其他装饰则起到了点缀与丰富的作用，装饰的主次关系明确。
服装的色彩搭配款式走向随着时间流逝几经轮回。当代时装添加复古原素为时尚流行季推波助澜。人们在对复古风格沉迷的同时，也在思考复古出现的原因及其成为流行的原因。
复古是对往古的社会秩序和习惯的恢复，是旧时代的时尚元素的兴起。通俗的说就是将传统的或者弃用已久的东西再次带入当前，使其重新出现。任何事物都有产生和发展的过程，也就是说每件事物都拥有自己的历史，对历史的传承必然产生复古的思维或行为。
（一）服装样式的复古设计运用。历史是呈螺旋形发展的，在历史发展过程中具有重要影响力的历史时期，会经常作为复古的取材对象。社会的动荡，生活的压力，不免使人们对历史曾经的辉煌有向往和留恋的心情。顺从社会的发转规律，时尚的轮回也是种必然。英国维多利亚女王在位时代，是历史上标志性的辉煌时期。那时的女装基本上是由紧身上衣和拖地长裙两部分构成，只有在样式、细节、剪裁和做工上有变化。大量运用蕾丝、细纱、绸缎、荷叶边、蝴蝶结、多层次的剪裁、褶皱、抽褶等元素，以及立领或低领线、泡泡袖、羊腿袖等宫廷款式。Vivienne Westwood 2012春夏女装，将17世纪的紧身胸衣的款式运用在服装中，讲究的款式以新的穿着方式出现，用织锦和挂毯一般的超大号紧身胸衣试图达到一种装甲的效果，而并非是没落王族的感觉。
（二）流行元素的复古设计运用。某一事物在某一时期、某一地区为广大群众所接受所喜爱，并带有倾向性色彩的社会现象便是流行。服装的流行是随着时代潮流和社会发展产生的，那些历史上遗留下的经典便是当时的流行。例如，铆钉的运用是20世纪80年代代表反叛的流行装饰物，现如今被大量的运用，过去的铆钉多运用在盛行的朋克风的皮革面料上做装饰，现在不仅广泛的运用在软面料中而且常在礼服中或配饰中出现。Gucci 2012春夏系列中，采用激光切割的蟒蛇皮材质外套，廓形硬朗的外形，雍容华贵、熠熠生辉。虽然外形廓形没有20年代的影子，但用现代技术的再现了20世纪20年代流行的“几何造型风格”。
（三）色彩搭配的复古设计运用。色彩的流行产生与变化是受社会经济、地域条件、消费心理等多方面因素影响制约的。色彩的流行以时间为基础，是在一定范围内受人们普遍的欢迎的色调。当时尚变得多面性不可预测，服装的色彩也一样，当人们不断求新欲望使色彩的创造力变得乏味、普遍，旧的色调在当下便显现出韵味，使得人们便对曾经的色彩产生留恋和新鲜感。设计师们便会把曾经历史上的色调搭配方式，带到当下的服饰中运用。
（一）复古设计是否是过去款式的重复及原因。复古的方式通常分为两种：一种是完全严谨的遵循古训的重复，另一种则是以特定时代的批判的眼光来重新诠释过去。前者是对古代物品的完全重复，可以归类为复制、复原或仿造者；后者则是对艺术创作而言。但不同艺术门类对复古设计的要求也有所不同。
在对于服装艺术作品中，所谓的复古需要更多的考虑到社会和时代的需要。现代女性可以接受巴洛克式的华丽装饰，但绝对不会承袭和认同铁丝裙撑这样的旧时代习俗。因为，一件成功的复古风格服装需要有人群的使用和认同才能成为时尚。
所复之“古”因为与设计所处的年代之间有时间差异而产生审美距离，审美距离的适应程度，取决于具体的复古主题是否能引起社会反响，和古代元素解读和表现与服饰潮流的关联程度。
传统和创新是复古风格设计的素材处理和表达的首要解决的问题。面对多元化的社会价值观和众多的社会思潮，设计师们开始更多的回顾曾经的流行，博物馆和艺术馆已经是现在时装设计师寻找和发现创作灵感的圣地，今年国际T台上服装大量出现复古元素。就像历史的发展规律一样，复古风格的设计是对古代的否定的回应。现代服装的生命力在于创新，对于传统的复古设计，其更加注重创新的再现。
复古设计不是复原，服装的复古风格设计将古代元素重新演义构成一种新的激情，在素材上，借助历史中的自然和原始符号，并加以符合社会背景和时尚美学的处理，把悠远飘忽的历史以符合时代要求的方式展现于服装艺术中。
（二）复古风格设计与民族风格、古典风格的关系。在服装的艺术中，复古风格设计和民族风设计屡见不鲜。民族风设计是对民族区域的元素的借鉴，复古设计则是强调对本地区民主元素和文化艺术的继承、再现和发展。对有民族自豪感的是设计者来说，要把握好复古风和民族文化间的关系。中国古老神秘的文化艺术经常是国际设计师的设计灵感来源，多年来，不断有国际T台上的作品大量运用中国元素。例如，Louis Vuitton 2011春夏女装系列，运用了大量的盘扣、旗袍款式、东方花卉图案等中国传统元素。看上去像是中国20世纪20、30年代的女装的复古风情。
服装中的古典风格主要是源自于古希腊、古罗马服饰。也就是说古典风格服饰是符合古典艺术风格的服饰。而复古风格服装是对历史的继承、发展和再现。古典风格服装不同于复古风格服装，因为古典风格服装的设计遵循单纯、朴素、适度的规律。而复古风格服装的设计讲点所复之“古”以新形势出现。
复古风格是艺术风格，复古设计是艺术手段，服装的复古风格是时尚前卫的，是符合时代要就适时出现的可以满足人们精神需求和时尚美学的艺术风格。复古风格服装不是旧衣服，是带有旧时尚影子的新衣服。服装的复古风格设计是对曾经的经典深化研究重新创造，不但强调设计的“新”，还要能品味出的“古”。
[1][中]卞向阳著：《服装艺术判断》，东华大学出版社，2006.12。